Женщины-художники: самые известные художницы в истории живописи

Пабло Пикассо (1881-1973)

В 2009 году газета The Times опросила 1,4 млн человек на предмет того, кто был лучшим художником за последние 100 лет. С внушительным отрывом победил Пабло Пикассо, что лишний раз доказывает его влияние.

Основоположник техники кубизма, он считается также самым дорогим художником: только официальные продажи его картин составляют почти 300 млн долларов, а полотно «Алжирские женщины», проданное в 2015-м за 179 млн – самая дорогая картина в истории аукционных торгов.

Первые фильмы о знаменитом художнике с французскими и испанскими корнями были сняты еще в 50-х годах прошлого века при жизни Пикассо, и он даже появлялся в них в роли самого себя.

Помимо этого стоит выделить ленту «Прожить жизнь с Пикассо» 1996 года, в которой главную роль исполнил Энтони Хопкинс.

Ева Гессе

Ева Гессе прожила всего тридцать четыре года, но успела оставить большой след в истории искусства XX века и совершить прорыв в скульптурной пластике. Начав с абстрактной и портретной живописи, затем она пришла к арт-объектам из непривычных материалов: промышленных, бытовых, нестабильных и иногда даже саморазрушающихся. Её скульптуры, сделанные из латекса, ткани, стекловолокна, воска, резины или проволоки, ставят зрителей в тупик: они вроде бы абстрактные, но неизменно намекают на вполне телесные и чувственные формы. В них много иронии — и очень, очень много тревоги.

Впрочем, беззаботности и благополучию в творчестве Гессе взяться было неоткуда: девочки еврейского происхождения в Германии 1930-х, Ева и её сестра спаслись от нацистов благодаря программе «Киндертранспорт», а уже после того, как вся семья воссоединилась и эмигрировала в Нью-Йорк, мать художницы покончила с собой. Гессе с её травматичным прошлым и интересом к телу оказала огромное влияние на феминистское искусство, но его расцвета не увидела: если бы скульптор не умерла в 1970 году от рака мозга, она бы застала куда более дружелюбную для женщин в искусстве эпоху.

Джексон Поллок (1912-1956)

О творчестве Джексона Поллока можно смело сказать, что оно не для всех. Его картины одним кажутся бессмысленной мазней, а другим – шедеврами с глубоким смыслом.

В 1947 году он изобрел уникальную технику рисования: брал огромный холст, расстилал его на полу и разбрызгивал краску с кистей, не касаясь полотна.

Уже через 2 года после этого авторитетное издание «Life Magazine» назвало его величайшим американским художником.

Если бы не алкоголизм, с которым Поллок боролся всю жизнь, то мир увидел бы гораздо больше его картин, а так он разбился на машине (когда был пьян) в 44 года.

Его полотна «Мужское и женское», «Глаза в жару», «Сближение» и другие были проданы за космические суммы. Картина «№5, 1948» в 2006 году ушла с аукциона за 140 млн долларов, став самой дорогой на тот момент.

Желающим узнать больше о его жизни рекомендуем фильм «Поллок», где художника сыграл Эд Харрис.

Конная ярмарка.

Исполнитель: Роза Бонер

Год: 1853

Ярмарка лошадей (1853) — Роза Бонер

Роза Бонер, которую часто называют самой знаменитой женщиной-художницей 19-го века, наиболее известна своими рисунками животных. Ее самая известная работа, «Конная ярмарка», рассказывает о конном рынке, проходящем на бульваре Лопитал в Париже. Бонер в течение полутора лет посещала рынок, одетая как мужчина, делая эскизы, из которых она создала этот шедевр. После показа в парижском салоне в 1853 году «Конная ярмарка» была показана по всей Европе и в США; и это принесло Бонер международную известность и признание. Даже королева Виктория высоко оценила картину. Ярмарка лошадей была описана музеем Метрополитен как одно из самых известных произведений искусства.

Елена Поленова

Елена Поленова — сестра знаменитого живописца Василия Поленова. Она родилась в 1850 году в Санкт-Петербурге. Елена стала одной из родоначальниц модерна в русской живописи и одной из первых художников-иллюстраторов детской книги. 

В семье Елены был домашний учитель рисования — студент Академии художеств Павел Чистяков. Она будет всегда называть его главным педагогом в жизни. В 14 лет Поленова поступила в Санкт-Петербургскую рисовальную школу Общества поощрения художеств (ОПХ), где её наставником был Иван Крамской. В 19 лет Елена отправляется в Париж и поступает в студию Шарля Шаплена. 

Во время русско-турецкой войны Поленова встречает свою первую и единственную любовь — врача Алексея Шкляревского. Ее родители выступают против брака, Елена отчаивается и решает посвятить жизнь искусству. 

В 1878 году она возвращается к обучению в Школе Общества поощрения художеств, занимается в двух классах: акварельном и керамическом. За работы по керамике она получила несколько медалей и деньги на поездку в Париж — это был исключительный случай, обычно женщины пенсионерских денег не удостаивались. 

В Париже Поленова училась в керамической мастерской русских художников и у французских мастеров. После возвращения в Россию она открыла класс майолики, где преподавала живопись по фарфору. 

Елена Поленова «На дворе зимой», 1885 г., Государственная Третьяковская галерея

В 1882 году Елена переезжает в Москву, где знакомится с семьей Мамонтовых и входит в знаменитый Абрамцевский кружок Саввы Мамонтова. В 1885 году вместе с женой Мамонтова Елизаветой они организуют мастерские для обучения крестьян традиционным русским ремеслам.

Сама Елена создавала и акварельные пейзажи, и костюмы для спектаклей, и эскизы для вышивки и обоев, и орнаменты для икон. Она много путешествовала по деревням, интересовалась фольклором, рисовала уникальные эскизы мебели и предметов утвари. 

Одна из ее главных заслуг — иллюстрации для детских книг. Она проиллюстрировала сказки: «Дед Мороз», «Волк и лиса», «Иванушка-дурачок», «Избушка на курьих ножках». При ее жизни вышла лишь одна книга — «Война грибов», для которой она разработала весь макет, в том числе шрифт, орнаментальные вставки и иллюстрации.

Поленова умерла после болезни, когда ей было всего 47. При жизни она участвовала в выставках Московского товарищества художников, Товарищества передвижников и «Мира искусства». Долгое время Елена оставалась в тени знаменитого брата, лишь в 2011-2012 годах прошла ее первая большая персональная выставка в Третьяковской галерее.

Анри Матисс

Матисс работал в разных художественных направлениях: от импрессионизма до коллажа. Однако известность он приобрёл за изобретение собственного течения в живописи — фовизма.

«Танец», 1910 год. Изображение: Анри Матисс / Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург / Wikimedia Commons

При жизни Матисс был востребован не только как живописец, но и как график — он создал множество книжных иллюстраций, обложек и постеров. Одна из самых известных его работ — оформление подарочного издания «Одиссеи». Оригиналы книг до сих пор встречаются в продаже на Ebay и других маркетплейсах.

Обложка «Одиссеи» Гомера, 1935 год. Изображение: Анри Матисс / The Limited Editions Club, New York / Национальная галерея Австралии, Канберра
Иллюстрация к «Одиссее» Гомера, Анри Матисс, 1935 год. Изображение: Анри Матисс / The Limited Editions Club, New York / Национальная галерея Австралии, Канберра

Также Матисс занимался рекламными постерами и обложками журналов. Его отличительной чертой был узнаваемый леттеринг.

Иван Айвазовский. Грандиозный и преданный морю.

Иван Айвазовский. Автопортрет. 1874. Галерея Уфицци, Флоренция.

Айвазовский по праву находится в рейтинге самых известных художников. Его «Девятый вал» поражает своим масштабом.

Иван Айвазовский. Девятый вал. 1850. Русский музей, Санкт-Петербург. Wikimedia Commons.

Величие стихии, безысходность. Сможет ли спастись горстка моряков, выживших после шторма? Утреннее солнце своими тёплыми лучами будто дарит едва уловимую надежду.

Айвазовского можно назвать самым главным маринистом всех времён. Никто не писал характер морской стихии так разнообразно. Никто не изображал столько морских сражений и кораблекрушений.

Иван Айвазовский. Чесменский бой. 1848. Картинная галерея им. И.К. Айвазовского, Феодосия.

При этом Айвазовский был и документалистом, досконально изображая корабельную оснастку. И немного фантазером. Ведь на самом деле Девятый Вал написан неправильно – в открытом море волна никогда не загибается “фартуком”. Но для пущей зрелищности Айвазовский написал ее именно такой.

10. Рафаэль Санти

Рафаэль Санти – один из самых известных художников в мире, слава которого началась уже в возрасте 17 лет. А через несколько лет он поступил к Папе Римскому на должность придворного живописца. Молодому Рафаэлю приходилось соревноваться с такими талантами как Микеланджело и Леонардо да Винчи. В мастерстве он им явно проигрывал, но зато всегда доводил свои работы до конца.

В творчестве Рафаэля много картин посвящены изображению Мадонны. Также огромную популярность получили его работы: «Преображение Господне», «Ангел» и прочие. Он также писал портреты, сочинял стихи, расписывал храмы и занимался архитектурой. Он словно пытался сделать всё возможное, предвидя свою смерть в раннем возрасте.

Нравится +12 Не нравится -3Вы уже голосовали

Ники де Сен-Фалль

Франко-американка аристократического происхождения, феминистка и бунтарка Ники де Сен-Фалль прожила максимально богемную жизнь с массой драматических поворотов. Совсем юной она прославилась как модель, мелькнув на обложках всех модных журналов, переехала из Парижа в Нью-Йорк, а потом снова в Париж, где оказалась в психиатрической больнице. Кроме жутких методов вроде «лечения» электрошоком двадцатилетней девушке прописали арт-терапию — так она и обнаружила своё призвание. Девушка начала с экспрессивных коллажей и ассамбляжей, организовала перформанс (возможно, один из первых в истории искусства) с расстрелом ёмкостей с краской, а позже перешла на скульптуру, которая становилась всё монументальнее. Нарочито жизнерадостный и «наивный» стиль де Сен-Фалль — протест против буржуазного искусства и собственной семьи, где за изящным фасадом скрывалось сексуальное насилие и издевательства над детьми.

На протяжении всей жизни Ники де Сен-Фалль дополняла серию скульптур «Nanas»: это жизнерадостные фигуры с мощными формами, напоминающими палеолитических Венер, которые воплощают силу женщин и их способности к творчеству. Опус магнум художницы — «Сад Таро», расположившийся на юге Тосканы; в «Императрице», одной из 22 расположенных там гигантских скульптур, скульптор обустроила свой дом и прожила там около десяти лет.

Эмоции и чувства. Топ-20 известных художников-романтиков, экспрессионистов, символистов и импрессионистов

Не всех живописцев интересовала логичность, стройность композиции и строгое следование техникам. Целая плеяда художников углубилась в передачу на полотнах эмоций и чувств, образовав стиль романтизм. Одним из прославивших это направление мастеров стал Архип Куинджи, светящиеся картины которого зрители могли с восхищением рассматривать часами. Не менее чарующи полотна знаменитого Ивана Айвазовского с его «Девятым валом» или «Чесменским боем». У Ореста Кипренского романтизм проявлялся в чувственных портретах, у Николая Дубовского в глубинном восприятии природы, у Алексея Кравченко в особой цветопередаче, композиции и динамике каждого сюжета.

А. Куинджи. «Березовая роща». 1901 г.

И. Айвазовский. «Чесменский бой». 1848 г.

Сильнейшие позитивные или негативные эмоции выражали и экспрессионисты. К ярчайшим их представителям относится Марк Ротко и Хаим Сутин. Картины Ротко обладали невероятной мощью и заставляли людей смеяться и плакать, разделанная туша с полотна «Бычья туша» Сутина уже почти век вызывает самые разные эмоции у зрителей. Не менее интересны «Мистические головы» и «Абстрактные головы» Алексея Явленского. Не даром вся тройка входит в топ-10 мастеров с самыми дорогими аукционными продажами с 2000 года. А Илья Кабаков с его инсталляциями также оказался в числе лидеров упомянутого выше списка InArt лучших современных художников. Отметим и необычные картины Евгения Чубарова, которые также оказывают большое впечатление на зрителей.

М. Ротко. Картина «Оранжевый, красный, желтый». 1961 г. Продана на Christie`s в 2012 г. за 87 млн долларов

Х. Сутин. Картина «Бычья туша». Около 1923 г. Продана на Christie`s в 2015 году за 28 млн долларов

Еще дальше пошли символисты, погрузившиеся в мистику, в показ пороков человека, таинственности его жизни и смерти. Это лиричные картины Павла Кузнецова, это полные чувств работы Виктора Борисова-Мусатова.

П. Кузнецов. Полотно «Рождение». 1906-1907 гг.

Импрессионисты и вовсе поставили во главу угла работу с цветом и светом. Так появилась картина с очень глубокими цветами «Портрет хористки» Константина Коровина, так зритель ощутил стремительность городских улочек в работах Юрия Пименова и Алексея Арапова, разделил чувства с Кузьмой Петровым-Водкиным, наполнился эмоциями через пейзажи Сергея Виноградова, Петра Петровичева, Игоря Грабаря и Константина Юона.

К. Коровин. Портрет хористки. 1883 г.

К. Петров-Водкин. Картина «1918 год в Петрограде». 1920 г.

Ангелика Кауфмани Мэри Мозер

Художницы Ангелика Кауфман и Мэри Мозер вошли в число основателей британской Королевской академии художеств и на протяжении последующих полутора веков оставались единственными женщинами, получившими в ней членство. Ангелика Кауфман смогла достичь мастерства в одном из самых традиционно «мужских» художественных жанров — исторической живописи — и стала признанным мастером классицизма. Мэри Мозер — художница швейцарского происхождения — была одной из самых известных женщин на британской художественной сцене XVIII века. Художница обрела известность в первую очередь благодаря изображениям букетов и цветочных орнаментов, заказы на выполнение которых получала в том числе и от британской королевской семьи. 

6. Микеланджело Буонарроти

Микеланджело Буонарроти — один из самых гениальных художников эпохи Возрождения. Он родился в 1475 году в небольшом городке Кьюзи совсем недалеко от Флоренции. Благородное происхождение позволило мальчику общаться со многими выдающимися художниками и учёными того времени. Это общение очень хорошо способствовало развитию юного дарования.

В садах Марка молодой художник вырубил маску фавна, а также сделал рельеф, в котором запечатлел бой Геракла и кентавров. Многие были восхищены этими скульптурами и пророчили Микеланджело большое будущее. Чуть позже он создал известное «Распятие», после которого молодого гения пригласили в Рим. Здесь Микеланджело создал Мадонну, которая держит на руках мёртвого Иисуса Христа, а также изваял мраморную скульптуру Вакха. Они принесли своему автору огромный успех и сделали его одним из самых популярных итальянских ваятелей.

Двадцать два месяца он упорно работал над потолком Сикстинской капеллы и результат его долгой работы равнодушным никого не оставил. Спустя четверть века Микеланджело вновь вернулся сюда, чтобы украсить фресками стену. «Страшный суд» вышел не менее гениальным, но слегка уступал первой картине.

В последние годы Микеланджело оставил живопись и скульптуру, полностью посвятив себя архитектуре. Он заведовал строительством римского храма имени святого Петра, но до конца довести его он не успел. Главный купол по его личному проекту установили уже после смерти Микеланджело.

Артемизия Джентилески

Художница, автор жанровых произведений. Родилась в Риме, в 1593 году, дочь художника Горацио Джентилески. Единственная из пяти детей мастера проявила талант к живописи. Её отец отдал Артемизию в обучение к художнику Агостино Тасси, который в итоге… обесчестил 19-летнюю ученицу. Молодая художница настояла на судебном расследовании и после долгих бюрократических мытарств наконец отправила насильника на год в тюрьму. После этого отец выдал Артемизию замуж за коллегу,  Пьерантонио Стиаттеси, и отправил с глаз долой во Флоренцию. Первые годы в новом городе прошли успешно — Джентилески пользовалась покровительством Козимо Медичи, была принята в Академию живописного искусства, родила мужу четверых детей. Однако супруг оказался игроком и кутилой, семья запуталась в долгах, дети умерли от болезней, и в 1621 году Артемизия покинула Флоренцию. Она работала в Генуе, в Венеции, в Лондоне, дружила с Галилеем, Ван Дейком и Софонисбой Ангиссолой, пользовалась популярностью, хотя славы старшей подруги и не достигла. Известна как автор 37 картин на религиозные темы — Юдифь и Олоферн, Сусанна и старцы и так далее. Умерла в Неаполе, от чумы, в возрасте примерно 60 лет.

Автопортрет в образе аллегории Живописи

Любовь Попова

Любовь Попова родилась в Московской губернии в 1889 году в богатой купеческой семье. Ее отец был покровителем искусств, а среди родственников по линии матери было множество деятелей культуры, историков и коллекционеров. В 1907 году девушка поступает в студию Станислава Жуковского, а затем переходит в частную художественную школу Константина Юона и Ивана Дудина. Вскоре художница отправится в Италию, где возьмет несколько уроков живописи

Попова много путешествует и по России, что оказывает влияние на ее творческую манеру: она обращает внимание на работы древнерусских мастеров. Также она изучает французскую живопись, некоторые ее работы вдохновлены творчеством Сезанна, где-то слышны отголоски готического искусства. 

Значимым этапом в творческом развитии художницы стала поездка в Париж в 1912 году. Там она знакомится с кубизмом, который вскоре занимает центральное место в ее работах. Летом 1913 года Попова создает кубофутуристическую серию композиций с обнаженными фигурами, в которой французский кубизм сплетается с русским авангардом. В 1914 она выставляется вместе с «Бубновым валетом» и вскоре снова отправляется в путешествие по Италии.

Любовь Попова «Пространственно-силовая конструкция», 1921 г., Государственная Третьяковская галерея

Художница активно занимается кубофутуризмом, создавая, в первую очередь, натюрморты и портреты. Постепенно она приходит к собственному варианту беспредметной живописи, в котором сочетаются и принципы древнерусской живописи, и приемы авангарда.

В 1916-1917 году она участвует в создании общество «Супремус» под предводительством Казимира Малевича. В 1918 выходит замуж за историка искусства Бориса фон Эдинга — через год он умрет от тифа. Попова долго не может прийти в себя и вернуться к работе. В 1921 году она создает цикл «Пространственно-силовых построений» — это будет ее последняя работа. Она оставляет занятия живописью и начинает преподавать. 

Попова сближается с конструктививстами и участвует в их выставке «5 × 5 = 25». С 1923 года начинает заниматься производственным искусством — работает в полиграфии, делает эскизы тканей, проектирует одежду. Любовь также будет работать с декорациями и станет одной из создательниц театрального конструктивизма. Она скоропостижно скончается от скарлатины в 1924 году в возрасте 35 лет.

Самые дорогие портреты русских художников

Посмотрим, искусство каких русских художников особенно ценится на крупных аукционах в последнее время. Мы рассмотрим несколько наиболее крупных уходов портретов в период с 2000 по 2020 годы.

Первую тройку самых дорогих портретов открывают образы женщин. Дороже всего оценили образ актрисы кабаре, запечатленной художницей Тамарой де Лемпицки в работе Portrait de Marjorie Ferry. Эта работа была выставлена в аукционном доме Christie`s в 2020 году и ушла с молотка за 21 млн долларов (16,3 млн фунтов стерлингов).

Тамара де Лемпицка. Portrait de Marjorie Ferry. 1932 г.

На втором месте оказался портрет «Шокко» художника Алексея Явленского. Картина была представлена на аукционе Sotheby`s в 2008 году и ушла за 18,6 млн долларов.

А. Явленский. «Шокко (Шокко в широкополой шляпе)». Около 1910 г.

Замыкает тройку портрет Марии Цетлиной, созданный Валентином Серовым. Это великолепная работа попала на аукцион Christie`s в 2014 году из музея и, конечно, вызвала ажиотаж среди покупателей. Ее охотно купили за 14,5 млн долларов (9,3 млн фунтов). Подробнее о трех описанных картинах вы можете почитать в статье о самых известных женских портретах.

В. Серов. Портрет Марии Цетлиной. 1910 г.

На четвертом месте расположился портрет «Маленький ковбой», созданный известным русских художником Николаем Фешиным. Эта работа поступила на аукцион MacDougall`s в 2010 году из галереи Stendahl Лос-Анджелеса. Холст считается одним из самых блестящих портретов художника, в котором Фешину удалось создать целостный и колористически изящный образ маленького ковбоя. Так как за полгода до этого картина уже уходила с аукциона William Doyle за 500 тыс. евро, на MacDougall ее выставили по стартовой цене 500-700 тыс. фунтов. Однако один из телефонных покупателей так горячился, что нередко прибавлял сразу по полмиллиона фунтов. В итоге жарких торгов цена взлетела до рекордных 7 млн фунтов (10,9 млн долларов), что стало сенсационной продажей. После этого Фешин оказался в десятке самых дорогих продаж картин в категории русской живописи. На февраль 2021 года он переместился на 13 место, но по-прежнему обгоняет своего учителя Илью Репина.

Н.И. Фешин. «Маленький ковбой». 1940 г.

Еще один портрет, проданный за миллионы долларов, принадлежит талантливому русскому художнику Юрию Анненкову. Живописец создавал картины в своей оригинальной манере, используя самые разные приемы, смешивая стили и направления так, что даже критики не могли предугадать его следующей работы. Именно эта оригинальность и живописная смелость привели его к славе и узнаваемости его картин, особенно портретов. В 2014 году на торги аукционного дома Christie`s попал один из таких ярких портретов, созданный в смешанных стилях. На картине запечатлен А.Н. Тихонов, а сама она экспонировалась на международной выставке в Венеции в 1924 году. С аукциона портрет ушел за 6,2 млн долларов (4 млн фунтов).

Ю.П. Анненков. Портрет А. Тихонова. 1922 г.

Портреты известных русских художников можно перечислять еще долго, ведь в этом жанре работали не только портретисты, но и пробовали себя практически все именитые мастера живописи. Одни из них писали популярных современников и знатных особ, другие искали и создавали свой образ женщины через женские портреты, а третьи не менее увлеченно писали самих себя. Благодаря этому зритель сегодня может найти в русском портрете большое разнообразие образов, эмоций, идей и художественных приемов.

Мария Башкирцева

Мария родилась в 1858 году в имении Гайворонцы Полтавской губернии. Когда ей было 12, вместе с матерью они переехали в Европу. Несколько лет они кочевали по знаменитым курортам: Ницца, Неаполь, Баден-Баден.

Несмотря на способности к рисованию, Мария мечтала стать профессиональной певицей. Ее мечту разрушила болезнь — когда девушке было 16, она заболела туберкулезом. Тогда Мария твердо решила стать художницей и в 1877 году поступила в академию Родольфо Жюлиана в Париже. Уже через 11 месяцев ее работы представили на Салоне и удостоили золотой медалью. Интересная глава ее жизни — у Марии был роман в письмах с писателем Ги де Мопассаном. 

Мария Башкирцева «Дождевой зонтик», 1883 г., Русский музей

С 12 лет Мария вела дневник, который сделал ее по-настоящему знаменитой уже после смерти. Записи перевели на несколько языков, а одной из главных его поклонниц стала Марина Цветаева. Поэтесса даже посвятила Башкирцевой и ее дневнику первый сборник стихов «Вечерний альбом». Среди других почитателей ее дневника были Велимир Хлебников и Валерий Брюсов. 

Мария умерла от туберкулеза, когда ей было всего 25 лет. В мавзолее, где она захоронена, хранятся ее мольберт, скульптура и картины.  

Клара Петерс (1594-1657 гг.)

Клара Петерс. Суета сует (автопортрет). 1620. Частная коллекция

О нидерландке Кларе Петерс мы знаем очень мало. Даже даты ее жизни спорны. А многие работы были ошибочно приписаны другим малым голландцам. Словно и не было такой художницы…

Это можно объяснить. Женщине, даже очень талантливой, было легко затеряться среди многочисленных художников. В 17 веке в Голландии творили 6000 мастеров! 

Но не была бы она женщиной, если бы не придумала одну хитрость.

На одной своей картине она изобразила себя (смотрите первую картину). Хотя жанр натюрморта этого не позволял.

Портретист из неё был неважный, но зато она смогла увековечить свой облик. А ещё она иногда «выбивала» своё имя на ножах, изображённых на картинах.

Клара Петерс. Накрытый стол (деталь). 1615 г. Прадо, Мадрид

Клара писала завтраки и сервированные столы. Прекрасный тому пример – «Натюрморт  с цветами и золотым бокалом».

Клара Петерс. Натюрморт с цветами и золотым бокалом. 1611 г. Музей Прадо, Мадрид

Гиперреалистичность и сочетание цветов просто поражают!

Давайте сравним ее работу с картиной современника, замечательного художника Яна Хема.

Слева: Клара Петерс. Натюрморт с золотым бокалом. Справа: Ян Давидс Хем. Стол. Первая половина 17 века. Музей Прадо, Мадрид

Обратите внимание, насколько чувствуется женская рука! На столе Клары гораздо больше порядка, даже чересчур. Золотой бокал стоит точно по центру

И четкость рисунка выше, чем у Хема.

У последнего все-таки воздуха в картине побольше. Но все равно очевидно, что школа у Клары была очень серьёзная. 

Над «Натюрмортом со свечой, бокалом и кубком» искусствоведы до сих пор ломают головы.

Клара Петерс. Аллегория свадьбы. 1607 г. Частная коллекция

Кто-то видит в нем собрание мрачных аллегорий. Муха – символ смерти. Свеча – быстротечности времени, кольцо – бренности бытия.

А кто-то говорит, что работа, наоборот, запечатлела счастливое событие – бракосочетание художницы. Поэтому иногда картину называют «Аллегорией свадьбы».

Так что Клара угодила всем: и пессимистам, и оптимистам 🙂

Сегодня работы Петерс выставляются в самых известных музеях мира. В 2017 году, например, музей Прадо устроил выставку ее работ.

Но ее имя все равно НЕ на слуху: оно известно лишь настоящим ценителям голландского натюрморта. Петерс стала ещё одной несправедливо упущенной из виду женщиной-художником.

Немецкий художник Георг Базелиц

Георг Базелиц (Georg Baselitz) родился 23 января, 1938 года в городе Каменц, коммунальной общины Дойчбазелиц. От места своего рождения и происходит творческий псевдоним художника, настоящие имя которого Ханс-Георг Керн. Современный художник учился в Высшей Школе искусств в Восточном Берлине. Однако в 1957 году был исключен из-за незрелости политических взглядов. Переехав в ФРГ, Георг Базелиц все же получил высшее образование и закончил аспирантуру в области изящных искусств в 1962 году. В этот же период он официально сменил фамилию на Базелиц. Первую свою персональную выставку Георг провел в 1963 году. Его работа «Большая ночь в канаве» вызвала неоднозначную критику и немецкого художника обвинили в творческой непристойности. На данный момент эта необычная картина находится в музее Людвига в Кельне, Германия.

Самым узнаваемым стилем и техникой живописи художника являются перевернутые абстрактные фигуры в его картинах, которые он начал рисовать с 1969 года. В это же время Базелиц приступил к созданию масштабных скульптурных инсталляций из окрашенного дерева. Георг Базелиц является современным абстрактным художником, который пытается реабилитировать это направление живописи, вводя в сюжеты своих работ более узнаваемые фигуры и образы. Он использует нарочито грубый стиль, напоминающей по своей технике некоторые работы психологического кубизма Джорджа Кондо, но отличающийся от последнего явно выраженным экспрессионизмом.

«Девушки из Олмо II», 1981, масло, холст
«Ухмылка Гринберга», 2013, масло, холст
«Пожиратель апельсинов», 1981, масло, холст
«Очень большой Франц Пфорр», 2006, масло, холст

Мария Виже-Лебрён

Портретистка. Родилась в Париже в 1755 году. Стала популярной как портретистка в 15 лет. В 21 год вышла замуж за Пьера Лебрёна, торговца живописью. Благодаря его связям была принята ко двору, рисовала королеву Марию-Антуанетту. Вскоре Виже-Лебрён зачислили в члены Королевской Академии живописи и скульптуры. Её дальнейшей карьере помешала Великая французская революция, но Мария не падала духом — она путешествовала по Европе, побывала даже в России, где сделала несколько портретов венценосных особ и лиц, приближенных к императрице Екатерине II. В 1799-м вернулась во Францию по личному приглашению Наполеона. До старости жила в богатстве, покое и всеобщей любви, скончалась в 86 лет.

Автопортрет

Наталья Гончарова

Вклад «амазонки русского авангарда» Натальи Гончаровой в историю искусства оценивается наравне с творчеством одного из «отцов авангарда» и ее мужа Михаила Ларионова. В своем творчестве художница экспериментировала с самыми разными жанрами — от импрессионизма до кубофутуризма, — благодаря чему выработала собственный выразительный живописный язык. Наталья Гончарова оставила после себя огромное наследие — на ее ретроспективной выставке в Третьяковской галерее было представлено около 400 работ. Гончарова считается одним из наиболее популярных российских художников на арт-рынке: ее «Испанка» входит в десятку самых дорогих русских картин, когда-либо проданных на аукционе.

Сальвадор Дали (1904-1989)

Испанский художник, скульптор, дизайнер и вообще разносторонний человек, Сальвадор Дали по праву считается одним из величайших представителей жанра сюрреализм.

Его экстравагантность и не всегда адекватное поведение сыграли только на руку, так как истории о его выходках часто становились достоянием общественности.

Так, после ссоры с отцом (в которой виноват был сам Дали), художник по почте отправил ему свою сперму, приложив записку со словами «Это все, что я тебе должен».

Самые известные его картины – «Сикстинская Мадонна», «Сон», «Постоянство памяти» и многие другие. В кино его образ на себя примеряли Эдриен Броуди («Полночь в Париже»), Роберт Паттинсон («Отголоски прошлого»), Лоренцо Куинн («Дали»).

Пабло Пикассо. Разный и ищущий.

Пабло Пикассо. Автопортрет. 1907. Национальная галерея Праги. Musei-mira.com.

Этот известный ловелас прославился не только частой сменой муз, но и частой сменой художественных направлений. В начале XX века он создал немало работ в “африканском стиле”, когда вместо лиц он рисовал маски экзотических племён. Потом был кубизм, а ещё абстракционизм и сюрреализм.

Пабло Пикассо. Герника. 1937. Центр искусств королевы Софии. Picasso-Pablo.ru.

Вершиной его творчества можно назвать эмоциональную «Гернику» (см. выше), посвящённую разрушенному войной городу. Символ страдания и варварства.

Именно Пикассо придумал соединять в портретах анфас и профиль, разбивать предметы на простые фигуры, собирая в удивительные формы.

Он изменил весь ландшафт изобразительного искусства, обогатив его революционными идеями. Разве мог кто-то до Пикассо так написать портрет знаменитого мецената Амбруаза Воллара?

Пабло Пикассо. Портрет Амбруаза Воллара. 1910. ГМИИ им. А.С. Пушкина, Москва. Arts-museum.ru.